requiem de verdi

ELLIS

Monteverdi

Monteverdi:

Claudio Monteverdi (1567-1643)
Altri canti
Il ballo delle ingrate
Selva morale
Il combattimento di Tancredi e Clorinda
Les Arts Florissants - William Christie

For those who know me (and my posts) you will know this is not my bag. I am posting on behalf of my friend Ockegehem2 (Johannes Ockeghem) Please direct comments and thanks to him.

[EAC rip, cue, log, scans]

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Claudio Monteverdi (1567-1643)
Altri canti - Excerpts from the 7th and 8th book of madrigals

Altri canti di Marte

Perchè t'en fuggi o Fillide

Chiome d'oro

Hor ch'el ciel e la terra

Non havea Febo ancora (Lamento della Ninfa)

Gira il nemico insidioso

Amor che deggio far

Tirsi e Clori

Les Arts Florissants - William Christie

Recording: 1980

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Claudio Monteverdi (1567-1643)

Il ballo delle ingrate

La Sestina

Les Arts Florissants - William Christie

Recording: 1982

  

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Claudio Monteverdi (1567-1643)

Selva morale

Gloria a 7 voci

Chi vol che m'innamori

O ciechi ciechi

Adoramus a 6 voci

Confitebor terzo alla francese

Confitebor tibi Domine

Laudate Dominum

E' questa vita un lampo

Beatus vir (primo)

Les Arts Florissants - William Christie

Recording: 1986

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 Claudio Monteverdi (1567-1643)

Il combattimento di Tancredi e Clorinda

Mentre vaga angioletta

Con che soavità

Eri già tutta mia

Quel sguardo sdegnosetto

Tu dormi? Ah crudo core

Presso un fiume tranquillo

Zefiro torna, e di soavi accenti

O come sei gentile

Ardo, avvampo

Les Arts Florissants - William Christie

Recording: 1992

Khatchaturian: Piano Concerto, Etc

Khatchaturian: Piano Concerto, Etc:

Dramatic in impact was the Concerto for Piano and Orchestra, 1935-36, of Khachaturian, which won fulsome praise. The work uses every instrument of a large orchestra, making it a spectacular concert hall piece. Its popularity in the Soviet Union was immediate and permanent, and when it was introduced to American audiences in 1942, it quickly became a staple part of the performing repertoire of a number of pianists, rapidly making the transitions to records.

Pierné: Piaco Concerto, Etc

Pierné: Piaco Concerto, Etc:

“[Bavouzet] plays with an enthralling virtuosity...he makes it difficult to imagine a more bright-eyed and eloquent soloist, and his partners work with him hand-in-glove. For all those who delight in a wholly French grace and magic, this disc is a winner, and it is superbly recorded.” -- Gramophone

“This attractive disc would make an ideal introduction to the charms of Pierné's music...The revelatory heart, though, is the music from Ramuntcho...Inspired by the Basque setting, there is plenty of colour and vigour.” -- BBC Music Magazine ****

This one's a keeper. Gabriel Pierné was the French Mahler, not stylistically perhaps, but in terms of his skill set. A superb conductor, he applied his podium experience to his compositions, writing immaculately finished, brilliantly scored pieces in a wide range of styles. Aesthetically he couldn't be further from his Czech/German/Jewish colleague, but the comparison is apt nonetheless. Like Mahler's, Pierné's idiom is hard to categorize in its inclusivity.

The Piano Concerto is a diverting romp in the spirit of Saint-Saëns' Second (it has no slow movement at all). The Divertissement is charm incarnate. The Ramuntcho suites incorporate Basque themes and stand in a long and illustrious line of French tributes to Spain. They are wholly wonderful. The March of the Little Lead Soldiers needs no introduction, and is not to be confused with Pierné's other "greatest hit", the March of the Super Cute Little Mythological Faun Critters from the ballet Cydalise et le chèvre-pied.

These performances are stunning. There is a similar coupling of Ramuntcho and the concerto on BIS, and it's very good. But Jean-Efflam Bavouzet is an unbeatable soloist, and the orchestral playing under Mena is irreproachable. Toss in the two couplings (the Divertissement is actually quite substantial), plus terrific sonics, and the result is simply irresistible. You'll love this music. --David Hurwitz, ClassicsToday.com

Vivaldi: New Discoveries II

Vivaldi: New Discoveries II:

“The operatic discoveries on this new CD are two arias which turned up in Belgium from L’inganno trionfante in amore, and a reconstruction of another two, found in reductions in Berlin, all characterfully sung by soprano Ann Hallenberg. There is also an energetically bristling, newly authenticated Violin Concerto in A minor” --Irish Times, 27th July 2012 ****

World premiere recordings of Vivaldi scores recently discovered in Europe.

This is the 45th title in the Vivaldi Edition, 3 years after the first recording dedicated to Vivaldi scores discovered in Europe between 2000 and 2007, now in its 12th year. This second volume features the most recent discoveries in world premiere recordings and will further contribute to complete one of the most fascinating jigsaw puzzles in musical history Federico Maria Sardelli is a member of the musicological committee of the Istituto Italiano Antonio Vivaldi at the Fondazione Cini in Venice, for which he has published numerous scholarly essays. In July 2007 Peter Ryom chose him to continue his monumental work of cataloguing the music of Antonio Vivaldi; since then, Sardelli has been the editor of the Vivaldi Werkverzeichnis (RV).

Since 2008 the harvest has been abundant enough to nourish this second volume of Vivaldian revelations, including a violin concerto, a flute concerto and 4 opera arias from 'L'inganno trionfante in amore', one of the most important lost opera scores of Vivaldi.

Alongside Sardelli and his orchestra Modo Antiquo, the recording features such illustrious names as mezzo-soprano Ann Hallenberg, violinist Anton Steck and flautist Alexis Kossenko.

Erich Wolfgang Korngold: Sinfonietta for Large Orchestra, Op. 5

Erich Wolfgang Korngold: Sinfonietta for Large Orchestra, Op. 5:
 Erich Wolfgang Korngold: Sinfonietta for Large Orchestra, Op. 5Gerd Albrecht, The Berlin Radio Symphony Orchestra

Prominent Viennese music critic Julius Korngold must have known exactly how Leopold Mozart felt. Just as the elder Mozart had watched the astonishing development of his son Wolfgang, Julius saw his own son Erich Wolfgang developing musical talents so rapidly and spontaneously

Flute Concertos by Scheibe, Hasse & Agrell

Flute Concertos by Scheibe, Hasse & Agrell:

Concerto Copenhagen distinguishes itself by its original interpretations and a marked talent for communicating with the audience. Concerto Copenhagen recreates the vitality and presence of ancient music and brings it up to date. The orchestra performed it's first concerts in 1991 and has since developed into Scandinavia's leading period instruments ensemble and a young member of the World's most interesting and innovative Baroque Orchestras.

Concerti Brillanti: C.P.E. Bach, Graf, Haydn, Hasse

Concerti Brillanti: C.P.E. Bach, Graf, Haydn, Hasse:

A well-established concerto and three discoveries, one a minor masterpiece, in excellent performances.

This is an unbeatable combination: a first-class, photogenic young cellist who has already made a reputation for himself teams up with one of the foremost early-music exponents. The programme combines the comparatively well-known C.P.E. Bach Cello Concerto with world-première recordings of three very fine concertos by C.P.E.’s predecessors and successors. Add good orchestral support and a very good recording and you have the recipe for what should make this co-production with Bavarian Radio a best-seller.

“Vogler's playing is technically assured and sturdily lyrical throughout all four works.” --Gramophone Magazine, June 2008

Shostakovich: Preludes & Fugues for piano (24), Op. 87 (complete)

Shostakovich: Preludes & Fugues for piano (24), Op. 87 (complete):

“Few pianists have shown themselves to be so sensitive to music which is the response of a complex visionary to the corrosive banality of Soviet life at the time...[Melnikov] responds to all this with an impeccable all-Russian mastery and with a poetic commitment few could equal.” --Gramophone Magazine, August 2010

“In this muscular, virile account, [Nikolayeva's] fellow Russian Alexander Melnikov makes you wonder why these works are considered monotonous or didactic. In his virtuosic hands, each one glints.” --The Observer, 25th April 2010

Radio 3 CD Review
Critics' Disc of the Year - December 2010

BBC Music Magazine Awards 2011
Instrumental Award Winner

“Melnikov unquestionably gives an impression of freshness and daring, as if he's discovering the music for the first time...Certainly one's bound to feel, listening to such superb playing, that this is indeed one of the greatest contrapuntal cycles since Bach. Overall, then, a magnificent achievement.” BBC Music Magazine, June 2010 *****

“Melnikov is consistently alert to (and in control of) the music's dizzying variety of idioms and tones of voice...[He] conveys the scope of the collection as a totality with such consistent penetration and invention that this expertly engineered set can be enthusiastically endorsed for anyone seeking a complete recording” --International Record Review, October 2010

Sir Alexander Gibson, el Gran Sibeliano

Sir Alexander Gibson, el Gran Sibeliano:

Jean Sibelius
Scenes Historiques (Suites Nrs.1 & 2), Op.66
Rakastava, Op.14
Valse Lyrique, Op.96a
Royal Scottish National Orchestra
Dir: Sir Alexander Gibson
(Chandos)
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     Sibelius es sin duda el Gran Compositor Nórdico por antonomasia. El principal rasgo que hace inconfundible a su Música es el inmenso poder evocativo de atmósferas e inmensos paisajes musicales que inmediatamente nos trasladan a la Historia, Mitología y Geografía de la muy particular tierra escandinava, específicamente la finlandesa. Su genio orquestador lo hace diferente a cualquier otro compositor de entre sus contemporáneos y de entre sus obras orquestales se evidencia siempre una particular inclinación a componer extensa Música Incidental, en ocasiones á-la-Mendelssohn u otras veces en forma de Suites. Las "Scénes Historiques" son prototipo del segundo grupo.
*
     Rakastava, aunque compuesto en forma de Suite en tres partes, al estar interconectadas se comporta mejor como un Poema Sinfónico, el otro género en que sin duda Sibelius fue un gigante, tal vez sólo por debajo de Richard Strauss.
*
     Sir Alexander Gibson, músico y director escocés, fundador de la Real Orquesta Nacional Escocesa, aunque hoy relegado a un segundo plano, ha sido uno de los directores sibelianos más venerables de cuantos pueda haber. Su producción de la obra sibeliana (el ciclo completo de las Sinfonías, Suites y casi todos los Poemas Sinfónicos) para el sello Chandos es hoy en día un esencial para cualquier amante de esta música y para cualquier coleccionista serio. El presente disco es una excelente introducción al arte de Sir Alexander en el repertorio sibeliano, y que dependiendo de la acogida (comentarios) permitirá más publicaciones de esta serie.
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M-S.

Telemann: Works for Recorder

Telemann: Works for Recorder:

Dorothee Oberlinger is one of the most amazing discoveries of recent years, an expressive virtuoso who - quite rightly - received numerous awards while still quite young. Today she is seen as one of the best recorder-players in the world. Her concerts have been received with enthusiasm by critics and audiences alike, earning her unanimous acclaim. Her CDs are regularly fêted as the best new issues on the market.

MP3 320 · 148 MB

Stamitz: Chamber Works

Stamitz: Chamber Works:

As usual, the Camerata Köln sounds splendid, delivering performances as alert and vital as these works will likely ever enjoy. CPO's sonics also rise to their usual high standard. Recommended to all those fond of the Classical tradition.

 The importance of the Stamitz family in the development of 18th century European musical thought is well known; perhaps more well known than its actual music. And this is understandable since every member of the family seemed to focus not so much on breaking compositional ground, but on teaching, performance, or even some other interest peripheral to music. For instance Carl's father Johann is remembered today primarily as the founding conductor of the legendary Mannheim Court Orchestra, a collective renowned for rigorously training the most promising young musicians of the day.

MP3 320  · 129 MB

Domenico Scarlatti - Sonatas for Viola d'Amore

Domenico Scarlatti - Sonatas for Viola d'Amore: 23 tracks - Mp3 192 Kbps - RAR 95MbDepositFiles - FileFactoryA deep musicological research concerning Domenico Scarlatti solo sonatas was done in 2008 by Valerio Losito and Andrea Coen: this work has determined that at least four sonatas for solo instrument and basso continuo are actually written for Viola d'amore. This discovery makes possible to relocate in a unified view the apparent

Manuel de Falla: Works for Stage and Concert Hall

Manuel de Falla: Works for Stage and Concert Hall:

“one of those experiences that change one's perception of a work forever...At the most basic level they take the trouble to get the balance right. ['Nights'] is no concerto, and the pianist has to be an observer of the music's events rather than needing to boss them around...the level of engagement with the music is exceptional. Often spacious and dark, the performance reaches past its starlit, balmy surfaces to find the ache and stoicism of Spanish history” --BBC Music Magazine, March 2012 *****

“it is greatly to the credit of Juanjo Mena and his forces (with a truly authentic touch from soprano Raquel Lojendio) that such a potent atmosphere is achieved...[Bavouzet's] performance [of Nights in the Garden of Spain] is more subdued than from celebrated champions of this score...yet it casts its own spell, sultry and scintillating as required.” --Gramophone Magazine, May 2012

Gramophone Magazine
Editor's Choice - May 2012

BBC Music Magazine
Disc of the month - March 2012

MP3 320 · 170 MB

Messiaen - Turangalîla-Symphonie (Loriod, Chung)

Messiaen - Turangalîla-Symphonie (Loriod, Chung):

Olivier Messiaen
Turangalîla-Symphonie


Yvonne Loriod, piano
Jean Loriod, ondes martenot

Orchestre de la Bastille
dir, Myung-Whun Chung

DG 431 781-2 (1991)


Very few words to introduce this wonderful "symphony".....
This is a musical milestone, one of the highest peak of symphonic language in the 20th century.
A work about love and death, creation and destruction, and, as Messiaen (ant the same word Turangalîla) suggests, joy.
Apart from many interrelated themes, it is based mainly on four cyclic and fundamental themes, recurring throughout the whole work.
It was first intended as a "conventional" symphony, later developing in ten movements and in a more complex musical and rhytmical structure (a great accuracy has been used in rhytmical characterization), with a majestic instrumentation.
The performance by Chung and the Loriods (great interpreters of Messiaen music), helped by the DG cristalline sound, results in a very fine and clear reading, with great attention to details.
All the joy, energy and magnificence of this music are here perfectly conveyed....


[Flac & Scans)


Enjoy!

Bruckner. Sinfonía nº 3. Skrowaczewski. Saarbrücken Radio Symphony Orchestra. 1996.

Bruckner. Sinfonía nº 3. Skrowaczewski. Saarbrücken Radio Symphony Orchestra. 1996.:

Queridos amigos, seguimos adelante, lentamente pero seguimos, con las entregas de la preciosa integral sinfónica de Bruckner del maestro Skrowaczewski. En esta ocasión dejamos su preciosa y vital visión de la Sinfonía nº 3, una de las más bonitas del conjunto sinfónico y a la vez punto de entrada ya claro en la gran obra sinfónica madura de Bruckner.

LA Tercera Sinfonía es denominada en ocasiones como Sinfonía Wagner. Fue escrita en 1873 y revisada por Bruckner en numerosas ocasiones (con más o menos cambios) fundamentalmente en 1877 y en 1888/1899. El estreno inicial de la obra tuvo lugar bajo la dirección del maestro en Viena en 1877 resultando un fracaso, en parte por la poca capacidad como director de Bruckner y en parte por la dificilísima aceptación por parte de los músicos vieneses.

En esta grabación el maestro Skrowaczewski usa la versión de 1889 (1888/89) en la edición de Leopold Nowak de 1959. La interpretación en sencillamente brillante. Una sabia visión global de la estructura de la obra y un manejo del tempo muy adecuado hace fluir la música sin pesadez, con delicada suavidad y una muy bien marcada energía en sus preciosos crescendos que se escuchan limpios y brillantes sin sensación alguna de mezcla sonora inaudible. Los instrumentos son matizados y claros, las agrupaciones de los temas se realizan con gran delicadeza formal  y estructuralmente quedan integrados de una forma clara y precisa en el global.

La gran energía de la obra no deja de lado los pasajes delicados e íntimos como es el caso del precioso segundo movimiento, un Adagio soberbio, que es marcado por Skrowaczewski con un tempo algo rápido pero que no por ello le impide mostrar y sacar a relucir la emoción contenida en él. El juego de las cuerdas con los metales y las maderas es una verdadera preciosidad y los pequeños suspiros de aliento hacen aún más intenso y delicado este fino, sensual y vigoroso movimiento.

El juguetón y dinámico tercer movimiento de esta preciosa obra es sabiamente conducido por Skrowaczewski, con energía, vitalidad, ritmo y "chispa" permitiendo una expresividad preciosa a las cuerdas y los metales, que dicho sea de paso suenan francamente bien, muy bien. La cantabilidad del movimiento resulta delicadísima como un baile juguetón tocado con una sutileza soberbia. Es un movimiento que resuena clasicismo pero más elaborado que lo escuchado hasta entonces.

Y en el último movimiento podemos apreciar la maravillosa conjunción que consigue el maestro con la orquesta. Es un movimiento llevado enérgicamente, intenso y rítmico, con marcados contrastes entre lo lírico (bellísimamente marcado por la batuta) y lo enérgico e intenso. Una energía e intensidad sabiamente controlada para poder apreciar toda la belleza contenida en esos pasajes de tono más elevado y de mayor fortaleza sin que dejemos de gozar en los momentos líricos y ensoñadores con una música delicada y danzable. Un movimiento llevado a un tempo algo más pausado que los iniciales que permite apreciar la maravillosa maraña musical de Bruckner con total claridad.

En definitiva una preciosa interpretación de una de las sinfonías brucknerianas más bonitas escritas y quizá de las de mejor y más fácil audición. La dirección de Skrowaczewski es delicada, muy matizada, con sutilezas, con un manejo del tempo precioso y lleva a la Saarbrücken Radio Symphony Orchestra a lograr una interpretación bellísima, expresándose con claridad, luciendo la belleza de sus cuerdas, regustándose sus metales, mostrando sus bellos requiebros unas maderas preciosas y por encima de todo sonando como una gran unidad orquestal.

Espero que disfruten de esta Tercera de Bruckner, merece la pena saborearla y apreciarla. Es de una gran belleza, musicalidad, intensidad y delicadeza. Enormemente agradable de escuchar.

Bruckner
Sinfonía nº 3
Stanislaw Skrowaczewski
Saarbrücken Radio Symphony Orchestra
Grabación de octubre de 1996
Kongresshalle, Saarbrücken
Versión de 1889 (1888/89) en la edición de Leopold Nowak de 1959

Mp3

FLAC

Bach: Matthaüs-Passion

Bach: Matthaüs-Passion:

¿Qué es la Pasión según San Mateo? Una síntesis arquitectónica, cimentada en la destrucción de límites y órdenes: amalgama por un lado de contraste formal en su belleza y por otro de perfección en su construcción, continuamente laborada Soli Deo Gloria; una simbiosis de expectación dramático-operística y de meditación lírica; una armonía entre religiosidad sufriente en la severidad luterana de los corales y serenidad natural del melodismo de estilo italiano; una confluencia entre los diálogos de las turbas y la narración objetiva del Evangelista; un breviario donde desfilan simbolismo numérico, percepción psicológica e interpretación teológica; un esplendoroso desarrollo instrumental en secciones independientes (derivado del ideal organístico) dentro de la tendencia teatral del oratorio; en suma, un fresco musical y religioso que funde el aparente antinomio de los géneros y las épocas.

 Partitura - Score

Un amplio murmullo es interrumpido por los golpecitos de una batuta, no solamente concitando la atención a los músicos, sino también reclamando silencio a la audiencia: Como cada año desde 1899 el Concertgebouw de Amsterdam acoge el Domingo de Ramos la representación pública de la Matthäus-Passion. La WWII hizo de ésta de 1939 la última. Willem Mengelberg posee una enorme significancia histórica por su estilo, romántico en concepción, monumental en ejecución (la Orquesta al completo, las fuerzas de dos coros combinadas), violentamente dramático e intenso en la distorsión subjetiva de la línea musical, en el fraseo de absolutas licencias agógicas y dinámicas, pleno de intolerables claroscuros, texturas acolchadas, exagerado legato, grotescos vibrati, ritardandi dentro de ritardandi… Los solistas eran ampliamente experimentados en la obra y cumplen con eficiencia, destacando el dulce si bien monocromático Evangelista de Karl Erb, y el Jesus de Willem Ravelli, tenebroso en su última intervención: “Eli, Eli”. Como era habitual en la época, los cortes son numerosos, descuartizando con virulencia la lógica narrativa, en ocasiones en medio de recitativos. La grabación se materializó por medio de un novedoso sistema de cinta de celuloide derivado de la industria cinematográfica que mejoraba tanto la dinámica como el rango de frecuencias. La edición Opus Kura (a partir de vinilos de 1952, clara y brillante, alguna congestión asociada a la dinámica) restaura la perspectiva natural del único micrófono, el opresivo grave y los ruidos generados por la infantería del coro. Sincero, ferviente, estremecedor Mengelberg: El fin de una era.

 

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Sucesor del mismo Bach en el cargo de Thomaskantor en Leipzig fue Karl Richter, cuya visión enfatiza el acto devocional (era hijo de un pastor luterano), clarificando la estructura teológica textual, su grandeza y solemnidad a expensas de la ligereza de acentos y la definición del contrapunto. Severidad militar, tempi ponderados y amplio (pero no mahleriano) contingente instrumental, con un fantasioso órgano en el continuo. El característico timbre de los pilluelos del Coro Munich resalta afilado sobre la textura general, prodigiosa en dicción y articulación rítmica. Los solistas están espléndidos, correspondiendo las arias más distinguidas al matizado hacer de Dietrich Fischer–Dieskau, sentido y profundo. El claro registro (DG, 1958), en pionero estéreo que privilegia los solistas, resiste estupendísimo el paso de las décadas. Una versión que dió a conocer la obra a toda una generación.

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Después de otra extenuante sesión de grabación, los cantantes decidieron amotinarse y plantear al director que los tempi eran demasiado lentos. ¿Pero, quién se atrevería a decírselo al Doktor? Temblando, lo echaron a suertes y fue Fischer-Dieskau quien sacó la pajita más corta: “– Disculpe, Doctor Klemperer…
      – Ja, Fischer?
    – Dr. Klemperer, anoche tuve un sueño… Dios aparecía y me daba las gracias por cantar la Pasión según San Mateo de Bach. Y entonces Él preguntaba: ¿Pero por qué tan lento?”.
      El director frunció el ceño e indicó al cantante que retornara a su puesto. Tras la toma subsiguiente, más lenta que nunca, que hizo que los cantantes adquirieran un peligroso tono azulado, Klemperer bajó la batuta y miró a Fischer-Dieskau.
      – Fischer!
      – Ja, Herr Doktor?      – Anoche tuve un sueño. Y Dios llegó y me dió las gracias por representar la Pasión según San Mateo. Y entonces Él preguntó: ¿Y quién diablos es este Fischer?” Como se supo mucho después, algunos solistas regrabaron a escondidas varios recitativos sin el conocimiento de Klemperer. Pero los tempi pueden ser irrelevantes, ya que la narrativa es articulada y enérgica, dentro de la concepción que sitúa al Evangelista aislado espacialmente de los acontecimientos que está desarrollando, reverencial más que dramático. El acento sobre los atriles graves de la Philharmonia Orchestra proporciona un masivo soporte a las líneas y frases en monolítico legato. El hipertrófico coro canta entregadamente doloroso, pero pierde inercia en la observación rigurosa de las fermatas. Suprema la aportación operística de los solistas vocales. Así pues, lectura flagelada, que corona, apoteósica y devastadora, la tradición sinfónica germana. Ni siquiera la última reedición mejora la brumosa toma de sonido (EMI, 1961) que no obstante permite apreciar la calidad de los instrumentistas obligatti y el sentido del vocablo Doom.

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Con Philippe Herreweghe (HM, 1984) entramos en el territorio comanche del enfoque historicista. El fraseo de los pequeños contingentes (una Chapelle Royale gloriosamente seductora en sus texturas) es, en consecuencia, moderadamente ligero, como lo son los tempi. Reverencial compensación entre las partes, frescura en el impulso rítmico, tímbrica mimada y no incisiva (escúchense a este respecto las disonancias en los oboes trasciendendo la textura en un coro inicial que sigue el ritmo de siciliana impuesto por el inexorable grave orquestal). El continuo es fuertemente colorista en su registración. En la mejor tradición klemperiana(!) los corales van pausando las frases con silencios breves (que pueden resultar mecánicos), y poseen regularidad dinámica, alejados de lo lúgubre pero rebosantes de sobriedad oscura y, a veces, desesperada. De entre los solistas sobresale René Jacobs por su rabiosa novedad tímbrica y sus ornamentaciones polémicas. Panorámica antifonal excepcional de la grabación, tropical y resonante.

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Cuando se presentó la versión, largamente esperada, de John Eliot Gardiner (Archiv, 1988) pareció haberse encontrado el equilibrio ideal para la obra, especialmente en la resolución inmaculada que hace el Monteverdi Choir (mixto, cuatro voces por parte) de los corales. Sin embargo, la sensación térmica a posteriori indica rigidez en los tempi, en las líneas, que si bien se articulan eficazmente en stacatto, resultan bruscas, impersonales, frígidas en esa misma falta de falibilidad en el ataque, de profundidad emocional en la acaramelada sonoridad de The English Baroque Soloist (maravillosa la tímbrica del violín en “Erbarme dich”). Énfasis en el carácter danzable con un teatral y optimista uso de la dinámica. Discrepo con la pronunciación germánica del Evangelista de Anthony Rolfe-Johnson, lejos de lo ortodoxo, y con su enfoque espectacular, más cercano al oratorio haendeliano. Gardiner utiliza solistas femeninas (exquisita Anne Sophie von Otter en “Können Tränen”) argumentando que el uso único de voces masculinas no es posible debido al hoy en día temprano cambio de voz, prematuro respecto a la sensibilidad musical requerida. En la postrera audición destacaría positivamente la ligereza conceptual, el sentido de continuidad, y la sonoridad diferenciada que expone el segundo coro buscando un efecto responsorial, de eco, distante y susurrado.

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El que Gustav Leonhardt se negara con firmeza a interpretar la Matthäus-Passion fuera de su tiempo litúrgico alumbra el camino hacia esta opción espiritual, de práctica ceremonial, profundamente reposada, comprometida con las condiciones de que el propio Bach dispuso: es uno de los pocos intérpretes que utiliza exclusivamente cantantes masculinos, con niños para las tesituras altas –que generan una indeleble impresión de inocencia y pureza, acorde a la metafísica bachiana de humanidad infantil, temerosa y frágil–, además de emplear los prescritos dos grupos de solistas. La Petite Bande, similar en tamaño y disposición a los EBS de Gardiner, afronta una muy distinta interpretación, por ejemplo en la menor amplitud dinámica, en la presencia de los vientos, en la (relativa) calma de los tempi, que aseguran la recepción del contenido místico de los coros. Indispensable la austeridad monacal del Evangelista de Christoph Pregardien, suavizando los aspectos teatrales. La magra grabación dibuja con precisión las diferentes líneas corales, remarcando la importancia de los textos (DHM, 1989).

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Frans Brüggen elige un sólido grupo de cuerdas (5.4.3.2.1) para cada uno de los conjuntos instrumentales, la Orchestra of the Eighteenth Century siempre al máximo de transparencia textural (incluso se escucha el órgano en el coro inicial). Intimista y alejada de la vía dramática, es una lectura humana que rubatea sin rubor y puede derivar hacia el garreo melódico. Quijotesco entre los académicos, Brüggen aspira a producir un sonido coral de época, pidiendo al grupo (estrictamente profesional) que se apliquen en conseguir un sonido “nada grato, al estilo de un coro búlgaro”. El Evangelista de voz blanca de Nico van der Meel (quizá no un extraordinario cantante, pero sí un narrador excepcional) nos mantiene al borde del asiento con su declamación plena de sensibilidad y misterio. Lástima que no todos sus compañeros vocales están a su altura, y no proporcionen un gran impacto emocional. Como cada disco del holandés fue grabado en vivo durante una gira de conciertos (Philips, 1996), en esta ocasión no todo lo nítido que cabría desear.

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En el segundo acercamiento de Philippe Herreweghe (HM, 1999) el concepto gentil, la elección y el tamaño de sus huestes es consistente con el anterior; los tempi, a la breve. El mayor refinamiento técnico del Collegium Vocale Gent permite un sin par equilibrio en el concepto de drama sagrado, entre delicada sensualidad y elevación espiritual, entre un continuo dramático y una sonoridad sosegada, y muestra gran poderío retórico, mayor sentido de continuidad (gracias a las menores pausas), pero pierde espontaneidad y fervor juvenil en el diáfano y pulido contrapunto coral. Fantástico el Evangelista de Ian Boostridge, implicado y sutil en su amplia paleta expresiva. Una extensa dinámica acompaña la cristalina toma sonora.

https://www.rapidshare.com/files/2338481422/Bach_Matthäus-Passion_Herreweghe_1999.rar

Si Johann Sebastian Bach hubiera visto la Matthäus-Passion interpretada en la iglesia por mujeres en kimono posiblemente hubiera mordido, estupefacto, su peluca. Pero, dejando aparte bromas y prejuicios, el Bach Collegium Japan y su director (calvinista) Masaaki Suzuki perfilan un reverente acto de oración, servido con profunda religiosidad, convicción litúrgica y claridad ascética. Dividido en dos agrupaciones de 20 instrumentistas y 16 voces –perfectamente focalizadas según sus tesituras– exhala una esencia introvertida, lamentosa, traslúcida, restringida en dinámicas, a través del paciente desarrollo de los eventos, quizá con demasiada palidez y neutralidad (como en la tímbrica del violín solista en “Erbarme dich”). El vulnerable Peter Kooy (Jesus) posee el instrumento adecuado y presta a sus recitativos la angustia necesaria. Grabación reverberante y espacial (BIS, 1999), que realza los solistas en relación a los coros y acentúa el bajo continuo en la cuerda grave.

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Nikolaus Harnoncourt fue el primer responsable de grabar la Pasión según San Mateo al modo históricamente informado (y rupturista) allá en 1970. No obstante elegiremos aquí su tercera aproximación (Teldec, 2000), flexible y vigorosa, donde el tratamiento de los acordes disonantes ilumina con la crudeza del sol mediterráneo el horror ante la tortura y la muerte. A los veloces tempi de comienzo de siglo el Concentus Musicus Wien evidencia una tímbrica aspéra (compárese de nuevo el violín en “Erbarme dich”, donde acorta las notas largas respecto a lo escrito), sincopada, angulosa, de algún modo sangrienta. Poderoso y agresivo el coro Arnold Schoenberg, delicado si es menester (2º coro al estilo responsorial), aunque se le podría pedir mayor convicción en las turbas (“Barrabam”). El tratamiento de las fermatas es similar a Herreweghe I, sosteniéndolas durante tres pulsos. El elenco vocal es acaso el más consistente hasta la fecha, sobresaliendo el carnal y viril Jesus debido a Matthias Goerne. La excelente grabación añade al majestuoso ambiente de la Jesuitenkirche el tráfico vienés (perceptible en el registro infragrave).

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Diversos musicológos como Joshua Rifkin y Andrew Parrot han defendido convincentemente que la partitura de Bach requiere únicamente ocho voces solistas, cuatro integrando cada coro (y uno extra para el ripieno), en una económica práctica propia de la época. Ahora bien, nos viene a las mientes la duda siguiente: un cantante por parte ¿era el mínimo aceptable o el ideal perseguido? Paul McCreesh (Archiv, 2002) ha hecho suya esta opción madrigalística, donde los minimalistas corales comparten efectivos en una permeabilidad simbiótica, otorgando inmediatez, ductilidad y ligereza de textura pero también una violencia descarnada, en una continuidad orgánica y revelatoria de este nuevo mundo sonoro. Las camerísticas cuerdas de los Gabrieli Players suenan desilvanadas en ocasiones, contrastando con el omnipotente órgano catedralicio que soporta como una gran cruz de madera el peso de la representación. Las arias son tratadas como trío sonatas para voz, acompañamiento obligado y bajo continuo, equilibrando la importancia de las líneas: escúchese como Magdalena Kožená susurra extática y delicadamente “Erbarme dich”. Sin embargo, en conjunto, se ignoran aspectos retóricos del texto, el fraseo barroco queda reprimido, las dinámicas se subrayan débilmente y los tempi, veloces, sobrevuelan esta colección de danzas sombrías, que sin duda marcan un antes y un después en la interpretación de la obra. La amplia reverberación del órgano se recoge de manera ejemplar en la grabación.

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Sigisvald Kuijken ya participó como violín solista en la grabación de Leonhardt. Ahora, como concertino, que no como director, impulsa esta lectura, que, como la de aquél, rota en la parca comprensión del texto como eje copernicano. Además de la transparencia de la opción de una voz por parte, el octeto vocal, muy lírico, no sólo es capaz de cantar cual solistas, sino de integrarse en un coral perfectamente ensamblado cuando es preciso, por ejemplo en el número inicial, en la mejor tradición de cantata dialogada. La identificación entre solistas y corales conlleva otros cambios: las voces son percibidas individualmente, y el intercambio de posiciones (narrando, o tomando parte de la multitud que comenta, que condena, que medita) obra el milagro que perseguían los afectos barrocos: suscitar emoción a través de la representación musical como drama personal. Ritmo vital y riguroso, con leves contrastes dinámicos y discretos ornamentos desplegados en los ritornelli. Escaso vibrato tanto en los recitativos secco como en los recitativos acompagnato por un halo de cuerdas visible y tangible a la manera de la pintura del quattrocento. En este aspecto, la depuración de las texturas del bajo continuo (La Petite Bande se reduce a 22 instrumentistas) limita su dramatismo pero pincela un efecto íntimo y contemplativo con un suave aroma francés en la manera de acentuar el fraseo en algunos números danzables. Recogida en cuatro noches consecutivas para evitar el ruido urbano de Leuven, la resonante grabación, en altorrelieve, posee gran brillantez, pero (ay!) el glorioso ripieno roza lo inaudible (Challenge Records, 2008).

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El péndulo oscila de nuevo y Decca edita sin rubor una grabación en 2009 con instrumentos modernos (inalterados desde hace más de cien años) y procedimientos un tanto heréticos: la Orquesta de la Gewandhaus a las órdenes de Riccardo Chailly (“Bach no era dogmático en materia de ejecución, pero la descomunal ambición musical que desprende la partitura parece demandar unos recursos instrumentales y vocales mayores que los obtenidos en sus representaciones en Leipzig”), generosa en el número de ejecutantes, se lanza a tempi raudos incluso para los patrones historicistas y suprime el vibrato en las cuerdas (con extrañas excepciones). Otras inconsistencias vienen de los toques neorománticos, el retorno a las voces operísticas, ciertos corales y arias con repentinos ritmos lentos, la introducción de ritardandi, diminuendi, o el pedal sostenido en la conclusión de la parte primera. Los coros, exclusivamente masculinos, funcionan con precisión inhumana. Entre los estupendos solistas destaca el rico y noble instrumento de Thomas Quastohff en sus arias para bajo.

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